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Dopo 5 anni e mezzo dall’apertura del blog abbiamo raggiunto un traguardo ImPoRtAnTiSsImO: le 50000 visite!!!

Semplicemente Grazie! Per festeggiare vi lasciamo alcuni favolosi ritratti di Raffaello in alta definizione scaricabili.

Edward Weston

Edward Weston, Nudo, 1936

Edward Weston nacque in Illinois nel 1886, figlio di un medico e di una professoressa di lettere. Abbandonò la scuola molto presto e si costruì autonomamente una notevole cultura da autodidatta che fu la base della sua ambizione e dei suoi successi artistici. E’ considerato uno dei più grandi fotografi americani dell’inizio del ‘900, celebre per i suoi nudi femminili, i paesaggi e gli “still life” in cui si rispecchia la sua ossessione per la purezza della forma.

La sua carriera fotografica ebbe inizio nel 1902, quando il padre gli regalò un apparecchio fotografico, che lo spense ad interessarsi alle risorse di questo nuovo e straordinario mezzo. Nel 1908 frequentò il College of Photography in Illinois per poi trasferirsi a Los Angeles nel 1911, dove lavorò come ritoccatore e assistente di laboratorio in uno studio fotografico e dove cominciò a lavorare in proprio.

Tra il 1921 e il 1922 si verificò la prima svolta: amante della sperimentazione, cercò motivi astratti, trovare angoli visuali e condizioni espositive originali. Iniziò a fotografare frammenti di volti e di nudi con una predilezione per l’obiettivo anacromatico. Nel 1922, in occasione della visita alla sorella May in Ohio, realizzò le prime fotografie industriali delle acciaierie Armco; queste immagini segnarono una vera svolta nella sua carriera.

Edward Weston, Acciaierie Armco, Ohio, 1922

Nel 1923, Weston abbandonò la famiglia e partì con il figlio Chandler e Tina Modotti, sua modella amante e allieva, per il Nuovo Messico. Insieme gestirono uno studio di ritratti fino al 1926. Qui fece amicizia con alcuni artisti e intellettuali messicani, tra cui Diego Rivera e Frida Kahlo. Oltre che nei ritratti, Weston si specializzò in nudi e nature morte e, tra il 1924 e il 1925, praticò il “close up”, tecnica fotografica di inquadratura ravvicinata che permetteva di mostrare il senso della trama delle superfici, rese da Weston con grande virtuosismo, dove l’incredibile ricchezza di sfumature del bianco e del nero conferisce alle immagini qualità quasi tattili.

Nel 1932 tornò in California dove fondò, insieme ad Ansel Adams, Imogen Cunningham ed altri fotografi, il celebre gruppo f/64, un’associazione di fotografi dedita alla sperimentazione ed alla ricerca sull’utilizzo del mezzo fotografico.

 La struttura delle sue fotografie e’ straordinariamente semplice e richiama il linguaggio della fotografia industriale : l’oggetto su una superficie. L’isolamento del soggetto, privato di ogni richiamo alla realtà esterna, fa svanire il contesto e le proporzioni e conferisce vita e vigore all’oggetto in se’. L’esempio più lampante di questo tipo di fotografie e’ la famosa serie di scatti realizzate a dei peperoni. Le foto di Weston sono puro piacere per gli occhi, suscitato dal richiamo a una sensualità tattile, dalla purezza della superfici e della forma.

Edward Weston, Peperone, 1930

Col passare degli anni, i consensi nei confronti del lavoro di Weston crebbero esponenzialmente: nel ‘36 fu il primo fotografo a vincere un assegno di ricerca dalla Fondazione Guggenheim e 10 anni dopo il MoMa di New York gli dedicò una restrospettiva che lo consacrò come uno dei più grandi artisti del ‘900. A metà degli anni ’40, Weston fu colpito dal morbo di Parkinson, che lo costrinse ad abbandonare la fotografia nel 1948, dieci anni prima della sua morte.

A proposito della fotografia di un cavolo, nel 1931, scrisse: “Sentivo nel cavolo il vero segreto della forza vitale. Sono stupito, mi trovo in uno stato di eccitazione emotiva e, attraverso il mio modo di fotografare, posso partecipare ad altri la conoscenza che ho della forma del cavolo, perché essa è così e non altrimenti, così come il rapporto con tutte le altre forme”.

Sara D’Incertopadre

Raffaello. Gli inizi e lo Sposalizio della Vergine

Raffaello Sanzio, pittore e architetto, nato a Urbino nel 1483 e morto a Roma nel 1520, era figlio del pittore Giovanni Santi. Il giovane Raffaello ricevette dal padre, morto nel 1494, solo un primo indirizzo alla pittura all’interno della sua fiorente bottega per poi passare alla bottega del Perugino. Grande importanza ebbero invece per la sua formazione artistica le suggestioni artistico-letterarie della corte urbinate, dove nella seconda metà del Quattrocento avevano lavorato Luciano Laurana, Francesco Di Giorgio Martini, Piero della Francesca e Antonio del Pollaiolo.

Nel 1499 Raffaello, appena sedicenne, si trasferì con gli aiuti della bottega paterna a Città di Castello, dove ricevette la sua prima commissione indipendente: lo stendardo della Santissima Trinità per una confraternita locale che voleva offrire un’opera devozionale in segno di ringraziamento per la fine della pestilenza appena passata. L’opera, sebbene ancora ancorata allo stile di Perugino e Luca Signorelli, presentava anche una profonda, innovativa freschezza, che gli garantì una fiorente committenza locale, non essendo reperibili in città altri pittori di pregio dopo la partenza di Signorelli proprio nel 1499, alla volta di Orvieto. A Città di Castello l’artista lasciò almeno altre due opere di rilievo, la Crocifissione Gavari e il famoso Sposalizio della Vergine.

Raffaello, Sposalizio della Vergine, 1504, Pinacoteca di Brera

L’opera che segna l’apice artistica della fase giovanile, segnando un distacco ormai incolmabile con i modi del maestro Perugino, è, senza ombra di dubbio, proprio lo Sposalizio della Vergine, datato al 1504 e già conservato nella cappella Albizzini della chiesa di San Francesco di Città di Castello.

L’opera si ispira a una pala che il Perugino stava dipingendo in quegli stessi anni per il Duomo di Perugia; ma il confronto tra le due opere mette in risalto le profonde differenze che dimostrano da subito quanto Raffaello fosse un giovane pittore fuori dal comune. Egli infatti copiò il maestoso tempio sullo sfondo, ma lo alleggerì allontanandolo dalle figure e ne fece il fulcro dell’intera composizione, che sembra ruotare attorno all’elegantissimo edificio a pianta centrale. Anche le figure sono più sciolte e naturali, con una disposizione nello spazio che evita un rigido ed irreale allineamento in primo piano, ma si sistema a semicerchio, bilanciando e richiamando le forme concave e convesse del tempio stesso.

Raffaello a confronto con Perugino, Sposalizio della Vergine, 1501-04, Musée des Beaux Arts di Caen, Francia

Al centro del quadro vengono posizionati un gruppo di persone divise in due schiere, aventi come perno il sacerdote, il quale celebra il matrimonio tra la Vergine Maria e San Giuseppe. Con un gesto molto tenero, il sacerdote prende le mani dei novelli sposi facendo mettere l’anello nuziale al dito di Maria. Il gruppo delle donne, dietro Maria, e il gruppo di uomini con i bastoni, dietro Giuseppe, formano due semicerchi aperti rispettivamente verso il tempio e verso lo spettatore. Ma perché questi bastoni?

Leggendo quanto riportato nei vangeli apocrifi, Maria era stata cresciuta ed educata nel tempio di Gerusalemme, ed aveva l’obbligo di seguire uno stile di vita casto e pieno di regole, molto simile a quello delle moderne suore. Quando la Vergine divenne grande abbastanza da potersi sposare, venne dato a tutti i suoi pretendenti, un ramo secco. Secondo la storia, soltanto il ramo del suo futuro sposo sarebbe fiorito, mentre tutti gli altri no. Dio decise che doveva essere Giuseppe lo sposo di Maria. Ed è così che Raffaello dipinge il bastone di San Giuseppe diverso dagli altri. Se si osserva attentamente, si può vedere che solo sulla punta del suo bastone sono sbocciati 3 piccoli fiori; gli altri pretendenti, invece, hanno tra le mani solo dei rami secchi.

Raffaello in questa scena adottò inoltre un punto di vista leggermente rialzato rispetto al normale: in questo modo sembra quasi di “fluttuare” nell’aria, permettendoci di guardare i protagonisti nella loro interezza, fino ad ammirare la grande lastra marrone in primo piano. Se ci soffermiamo sui colori scopriremo che le tonalità di cui si serve Raffaello sono molte, ma saltano subito all’occhio il rosso acceso della veste della Vergine ed il giallo caramellato della veste di Giuseppe. Si tratta di sfumature calde e distese su tutta la tela ed inoltre testimoniano una modernità senza precedenti da parte di Raffaello, il quale dimostra di essersi distaccato pienamente dalla solita gamma di colori utilizzata dai suoi colleghi del Quattrocento.

Quel doppio portale aperto sullo sfondo è anche il “punto di fuga” dell’opera, ovvero il punto esatto in cui convergono tutte le linee di prospettiva del dipinto. Inoltre tutta l’opera è attraversata da dei semicerchi: cominciando dai piedi dei protagonisti fino allo sfondo si possono tracciare una discreto numero di semicerchi che contengono perfettamente tutta la scena realizzata da Raffaello.

Se diamo un’occhiata all’espressione di tutti i personaggi notiamo che hanno un volto spento; persino Maria e Giuseppe, che dovrebbero essere lieti della loro unione, hanno una faccia che non tradisce emozione. Sia ben chiaro: Raffaello non voleva dipingere una scena “triste”, ma ha scelto di richiamarsi ad un tipico aspetto della pittura classica, decidendo di lasciare un equilibrio tra le varie espressioni di tutti i personaggi, in modo tale da non permettere a nessuna figura di prevalere sull’altra.

Per quanto riguarda colui che ha commissionato l’opera, dalle fonti sbuca fuori il nome di Filippo degli Albezzini che desiderava un’opera che ritraesse il matrimonio della Vergine; successivamente il lavoro sarebbe stato collocato nella chiesa di San Francesco di Città del Castello. Quando Raffaello completò il suo incarico, l’opera venne posta nella chiesa come da istruzioni.

Poi, con l’arrivo nell’Ottocento del Generale Giuseppe Lechi in testa al suo esercito pronto per liberare Città di Castello dall’occupazione degli Austriaci, lo Sposalizio della Vergine finì nelle sue mani, avendo ben presente il grande valore del dipinto raffaellesco. Decise poi di venderlo a Giacomo Sannazaro, il quale lo vendette a sua volta all’Ospedale Maggiore a Milano. Infine, l’Ospedale vendette il lavoro di Raffaello allo stato italiano nel 1806, al costo di 53000 franchi.

Dopo essere diventato proprietà dello Stato, lo Sposalizio della Vergine di Raffaello venne esposto alla Pinacoteca di Brera, ed ancora oggi puoi ammirarlo lì.

Sara D’Incertopadre

Il Rompicapo

Eccoci tornati, dopo una lunga pausa, con un nuovo Rompicapo…pittorico! Chi è il pittore che ha dipinto questo sublime Cristo morto?

Soluzione Rompicapo del 15/11/2017

Si tratta della facciata del duomo di Siena; tutta in marmo bianco con qualche decorazione in rosso di Siena e serpentino di Prato, è divisibile in due metà, inferiore e superiore, riferibili a due distinte fasi costruttive. La ricchezza della decorazione, prevalentemente scultorea, nasconde irregolarità e asimmetrie derivate dalla lunga fase costruttiva a cui misero mano molteplici progettisti. La facciata inferiore fu realizzata da Giovanni Pisano ed è riferibile a uno stile romanico-gotico di transizione. Questi vi lavorò tra il 1284 e il 1297, prima di allontanarsi improvvisamente da Siena, probabilmente per le critiche mossegli dal comune per gli sprechi e la disorganizzazione. A questa fase risalgono i tre portali  e i due torrioni laterali. Giovanni Pisano curò anche la decorazione scultorea, e corredò la facciata di un sorprendente ciclo di statue gotiche.

La parte superiore della facciata è opera di Camaino di Crescentino (padre del più famoso Tino di Camaino), che vi lavorò tra il 1299 circa e il 1317.Camaino di Crescentino dette alla facciata l’odierno aspetto tricuspidale. Un bellissimo oculo si apre al centro, incorniciato da nicchie gotiche contenenti i busti di Apostoli e Profeti che rendono omaggio alla Madonna col Bambino, identificabile nella nicchia centrale superiore. Ai lati due pilastri incorniciano questa struttura e terminano in pinnacoli e quindi in sottilissime guglie, accentuando lo slancio verso l’alto dell’edificio. Lateralmente sono presenti due ordini di loggette, mentre il tutto è sormontato da tre cuspidi dorate. I tre mosaici dorati, che raffigurano da sinistra a destra la Presentazione di Maria al Tempio, l’Incoronazione della Vergine e La Natività di Gesù, furono eseguiti a Venezia nel 1878, su disegno di Alessandro Franchi L’oculo reca invece una vetrata di Pastorino dei Pastorini  della metà del XVI secolo, raffigurante l’Ultima Cena e visibile dall’interno.

Il Rompicapo

Eccoci tornati con il nuovo Rompicapo…autunnale!! Riconoscete questa famosa facciata??

Soluzione Rompicapo del 21/06/2017

Si tratta della Minestra in scatola di Andy Warhol.  Cosa può mai significare l’immagine di una scatoletta di minestra al pomodoro? Dal momento che l’immagine non ha un valore estetico, si è ricercata in essa un valore etico: la scatoletta, rappresentando l’omogeneizzazione della società moderna che propone alimenti preconfezionati uguali per tutti, può divenire implicitamente una critica a tale società. Ma ciò non sembra nelle intenzioni dell’artista che anzi, nella società americana, vede un valore positivo proprio per il suo grande livellamento. Il bello degli americani, come lo stesso Warhol ha espresso, è che mangiano tutti le stesse cose, dal presidente degli Stati Uniti al senzatetto che è seduto ad un angolo della strada. In ciò è molto evidente quella mitica “american way of life” in cui la uguaglianza è realizzata in una società che consente uguali possibilità per tutti.

Appare evidente che l’arte di Andy Warhol, troppo americana anche nei suoi più piccoli risvolti, sembra che abbia un solo intento reale: demolire il mito dell’arte europea come espressione di una cultura “alta”. Alle scatolette Campbell Warhol ha dedicato una quantità considerevole di quadri. L’ha rappresentata a volte chiusa, come in questo caso, altre aperta. Non che la cosa faccia cambiare significato all’immagine, ma la grande ripetizione del medesimo tema sembra sfruttare i meccanismi della pubblicità: il bombardamento costante delle stesse immagini, colpendo in maniera subliminale, provocano quel meccanismo del «riconoscere», che è una delle molle, a livello inconscio con cui le masse manifestano le proprie scelte e preferenze.